资深摄影师郑志强写作的，从摄影爱好者的实际需求出发，由浅入深讲解数码照片后期处理的诸多实用技巧，让我们可以学以致用。

一张照片拍完，真正困难的部分有时才刚开始。
很多摄影爱好者遇到过这种情况：相机屏幕里看着挺好，回家放到电脑上一看，天空发白，人脸偏暗，建筑歪斜，颜色也没有现场那么舒服。于是打开Photoshop，这里拉一下饱和度，那里加一点锐化，折腾半天，照片反而比原片更不自然。
问题通常不在软件，而在于没有形成自己的后期判断。
郑志强编写的《Photoshop人像、风光、纪实、静物、建筑摄影后期技法》，针对的恰恰是这类真实需求。它把摄影者常碰到的人像、风光、纪实、静物和建筑照片作为主要练习对象，再把Photoshop中的图层、选区、蒙版、通道等工具放进实际案例中理解。这样的学习方式，比单独背菜单更接近真正的摄影工作流程。
摄影后期其实可以先不谈复杂技术，只问自己三个问题：哪里不好看，为什么不好看，修改以后想达到什么效果。
比如一张阴天拍摄的人像，人物脸部灰暗，第一反应不该是直接把整张照片曝光拉高。背景本来可能已经够亮，如果全局一起增加亮度，人物虽然亮了，天空却可能失去层次。更合理的思路，是判断人物与背景之间的亮度关系，再决定是否进行局部提亮。
这也是学习蒙版的意义。蒙版不是为了增加操作难度，而是为了告诉软件“哪些地方需要改变，哪些地方保持不动”。理解这一点后，很多看起来很复杂的后期操作都会变得清楚。
再看直方图。刚接触摄影的人容易把它理解成一种“标准答案”，觉得曲线必须均匀铺开才算正常。实际上并不是这样。夜景本来就会有大量暗部像素，雪地和白墙画面则可能集中在亮部。直方图真正有用的地方，是帮助判断照片有没有严重丢失高光或暗部信息，而不是要求每张照片长得一样。

色彩也是如此。
很多照片并不是“不够鲜艳”，而是色彩之间失去了关系。人物皮肤稍微偏红，草地又被拉得特别绿，即使饱和度很高，看起来仍然会别扭。后期中的色相、饱和度和明度并不是三个孤立旋钮，它们共同决定一种颜色最终给人的感觉。
因此，真正有效的调色经常从白平衡开始。先看照片整体偏冷还是偏暖，再处理局部颜色。这样做的好处，是不会一上来就在错误的色彩基础上继续叠加调整。
如果拍摄的是RAW格式，后期空间通常会更灵活一些。RAW保留的是相机记录下来的较原始图像数据，曝光、白平衡、高光、阴影等参数可以在转换阶段重新解释。JPEG已经经过相机内部处理并压缩，文件更方便使用，但后期反复大幅修改的余地通常不如RAW。
不过，RAW也不是“拍坏了都能救回来”。高光如果已经严重过曝，或者拍摄时焦点根本没有落在主体上，后期软件也无法真正恢复不存在的细节。摄影后期的作用是优化已有信息，而不是凭空创造清晰度。
人像修图最能体现这种分寸感。
脸上的临时痘痘、衣服上的灰尘、杂乱的碎发，可以适当处理；皮肤亮度不均，也能够通过局部调整改善。但如果把所有毛孔都抹掉，再把眼睛、鼻子、脸形大幅改变，照片留下的就不再只是摄影者对光线的整理，而已经接近重新塑造人物。
自然的人像后期往往有个特点：观众首先注意到的是这个人，而不是“这张脸修得真厉害”。
风光摄影则容易出现另一种极端。蓝天要更蓝，树林要更绿，云层还要更黑，最后每个颜色都在抢注意力。实际上，一张耐看的风光照片通常会保留空气感和距离感。远处山体不一定非得和近景一样清楚，雾气也不一定都要消掉，因为这些自然变化本身就是空间层次的一部分。
建筑照片处理起来又是另一套问题。摄影者常会遇到楼体向中间倾斜、垂直线不直，这是拍摄位置、镜头视角以及透视关系共同造成的。后期可以进行透视校正，但校正幅度越大，画面边缘需要裁掉的部分往往越多。因此，拍摄时多留一点空间，回来处理会从容得多。
静物摄影看起来简单，实际上非常锻炼观察力。一只玻璃杯、一块金属表面，甚至水果上的高光，都在考验摄影者对反射和材质的判断。后期如果一味提高反差，很容易把玻璃变得生硬，把金属做成一片死白。这个题材真正练习的是局部控制，而不是效果堆积。
纪实照片还多了一条重要边界：不能因为后期方便，就改变事情本来的含义。
正常的曝光、白平衡、裁剪和适度色调调整，是常见的图像处理手段。但如果增删关键人物、移动重要物体，或者通过明显处理让事件呈现出不同事实关系，就已经超出了普通摄影优化的范围。纪实摄影最重要的资产不是颜色有多漂亮，而是可信度。
学到这里就会发现，图层、蒙版、选区和通道只是方法。Photoshop真正值得掌握的，是一种可以反复修改、随时回退的工作习惯。
例如重要调整尽量放在独立图层中，不直接覆盖原图；复杂修饰保留蒙版；同一张照片不要在不同阶段反复压缩保存。这样即使几天以后重新打开文件，也能知道自己改过什么，而不是面对一个已经无法恢复的结果。