刚拿起相机的你，是否听过两种声音？一派说 “审美是摄影的灵魂，不懂美拍啥都白搭”，另一派说 “连快门光圈都搞不懂，谈审美太玄乎”。
这个问题就像问 “学画画该先练线条还是先学配色”，答案藏在不同阶段的成长逻辑里。
二、先明确：审美与技术的本质区别（一）审美：决定你 “想拍什么”审美不是天赋，而是 “视觉认知系统”。
它是你看到夕阳时，能判断 “用低角度仰拍更有氛围感”；看到人像时，能察觉 “背景杂物太多会抢主体”。就像摄影师 lyokoego，她对蓝色基调的独特运用，本质是审美体系的外在呈现 —— 通过大量看片（ins 博主、电影截图、国画作品），形成自己的视觉偏好和画面判断标准。
（二）技术：决定你 “能拍什么”技术是实现想法的工具链。
想拍 “奶油虚化” 就得懂大光圈原理，想拍 “丝滑流水” 就得会慢门操作，甚至手机摄影也要掌握 “对焦锁定”“曝光补偿” 等基础功能。就像学开车，先得搞懂油门刹车，才能谈 “如何优雅地变道超车”。
三、分阶段攻略：不同时期的核心任务（一）新手期（0-3 个月）：技术是 “入场券”，先迈过 “拍清楚” 的坎新手刚开始学习摄影，技术是首先需要攻克的难关。
必学的硬技术就是吃透曝光三要素，即光圈、快门和 ISO。光圈决定了光线进入相机的孔径大小，它不仅控制着进光量，还影响着景深效果，大光圈能营造浅景深，让主体突出，背景虚化；小光圈则使画面从前景到背景都更加清晰。快门速度控制着曝光时间的长短，快速快门可以定格瞬间动作，比如拍摄运动中的物体；慢速快门则能记录物体的运动轨迹，常用于拍摄丝滑的流水、车灯轨迹等。ISO 即感光度，它反映了相机传感器对光线的敏感程度，低 ISO 下画面噪点少，画质更细腻；高 ISO 则适合在光线较暗的环境下拍摄，但噪点会相应增加。
在提升技术的同时，审美方面也可以同步进行一些基础的培养。
每天花 30 分钟浏览优秀作品，像 500px、图虫网这些平台，都汇聚了大量不同风格、不同题材的优质摄影作品。
在浏览时，重点关注构图和光影。
构图决定了画面中元素的布局和组织方式，不同的构图方法能营造出不同的视觉效果。比如常见的三分法构图，将主体放置在画面的三分线或交叉点上，可以让画面更加平衡、自然；对称构图则能展现出稳定、庄重的感觉。
光影则是摄影的灵魂，不同方向和强度的光线，能赋予画面不同的氛围和质感。
例如侧光可以突出物体的立体感和纹理；逆光能够勾勒出物体的轮廓，营造出戏剧性的效果。在这个阶段，不用过于深究作品的创意，主要是通过大量的浏览，培养对 “什么是好看的照片” 的直觉。
（二）成长期（3-12 个月）：审美驱动技术，开始 “带着想法拍”进入成长期，审美提升就成为了关键。
此时，建立 “拆解式看片法” 能帮助我们更深入地理解优秀作品。
当看到一张出色的摄影作品时，先问自己三个问题：构图为什么这么安排？光线从哪来？色彩如何搭配？
以对角线构图为例，它能增强画面的动感和张力，使原本平淡的画面变得更具活力；侧光在表现物体质感方面具有独特优势，比如拍摄金属制品，侧光可以清晰地展现其表面的纹理和光泽；顶光则常常用于营造冷峻、严肃的氛围，在一些艺术创作或特定主题的拍摄中经常被运用。
色彩搭配上，互补色对比强烈，能吸引观众的注意力，产生视觉冲击力，如红与绿、蓝与黄的搭配；同类色搭配则能带来和谐、统一的感觉，像不同深浅的蓝色组合在一起，营造出宁静、舒适的氛围 。
就像素材中提到的建立美学素材库一样，我们可以按 “构图”“光影”“色调” 等类别对喜欢的作品进行分类保存，方便随时回顾和学习。每周安排一次复盘时间，仔细分析这些作品，思考它们的优点和值得借鉴之处，以及如果自己来拍摄，会有哪些不同的想法和做法。通过不断地拆解和学习，我们的审美水平会在潜移默化中得到提升。
随着审美水平的提高，技术也需要有针对性地进行提升，此时技术不再是孤立的参数调整，而是为实现审美目标服务的手段。
（三）高阶期（1 年 +）：审美与技术共生，形成个人风格到了高阶期，摄影师的核心能力体现在能够用精湛的技术完美地实现自己独特的审美创意，同时又能用深刻的审美洞察力反推技术的突破和创新。
以摄影师 nguan_的粉调胶片作品为例，他对浪漫色调的独特审美追求，促使他在胶片冲洗工艺和低光比控制等技术方面不断探索和实践。通过精准地把握胶片的特性和冲洗过程中的各种参数，以及巧妙地控制光线的强度和角度，实现了画面中柔和、浪漫的粉调效果，让观众能够透过照片感受到他想要传达的情感和氛围。
然而，在高阶期也需要警惕两个常见的问题：“技术过剩” 和 “审美空想”。
过度追求技术上的完美，如追求极致的锐度、零噪点等，可能会让作品变成纯粹展示技术的说明书，而缺乏情感和灵魂，使观众难以产生共鸣。相反，只空谈创意和审美，却忽视了基础技术的提升，连最基本的对焦、曝光等都做不好，那么无论想法多么美妙，最终呈现出来的成片都会不尽人意，停留在 “想法很美，成片很废” 的尴尬阶段。
因此，在高阶期，摄影师需要在技术和审美之间找到一个完美的平衡点，让两者相互融合、相互促进，共同推动个人风格的形成和发展。只有这样，才能在摄影的道路上不断突破自我，创作出更具个性和感染力的作品。
四、给新手的 5 条实操建议（一）前 1 个月：死磕技术基本功每天拍 10 张 “参数练习照”，这是快速掌握相机参数的有效方法。
在同一场景下，分别用不同光圈拍摄，如 f/2.8、f/8、f/16，你会发现 f/2.8 的大光圈能让背景迅速虚化，主体在模糊的背景衬托下格外突出，适合拍摄人像特写，让人物从环境中脱颖而出；f/8 的中等光圈则能使主体和背景都保持一定的清晰度，在拍摄风景时，既能突出前景中的景物，又能展现远处的山峦、河流等背景元素，让画面层次更加丰富；f/16 的小光圈则能带来几乎全画面的清晰效果，适合拍摄建筑、大场景风光等，能将整个场景的细节完整呈现出来。
再用不同快门速度，如 1/1000s、1/30s、1s 拍摄流水，1/1000s 的高速快门可以将奔腾的流水瞬间定格，每一滴水珠都清晰可见，仿佛时间静止；1/30s 的快门速度能让水流呈现出一种动态的模糊感，有一定的动感；而 1s 的慢快门则能将流水变成如丝般顺滑的线条，营造出梦幻、宁静的氛围，常用于拍摄瀑布、溪流等场景，让画面充满诗意 。
（二）每天 30 分钟 “审美加餐”审美提升需要长期的积累，每天 30 分钟的 “审美加餐” 必不可少。
在看片渠道上，INS 是一个汇聚全球优秀摄影作品的平台，人像可以学习到如何通过构图、光线和色彩的运用，展现人物的独特气质和情感；风光能领略到大自然的壮丽与神奇，学习到如何利用不同的光线和角度，将风光之美最大化地呈现在画面中；纪实可以感受到生活的真实与力量，了解如何通过摄影记录社会现象和人文故事。
其他平台比如各种摄影APP，微博或者一些专业的摄影网站都有大量的优秀作品，能够让你接触到不同风格、不同类型的摄影作品，拓宽审美视野 。
在看片时，不能只是简单地感叹 “哇好看”，而要用手机备忘录记录下作品的亮点。
比如看到一张构图精妙的作品，要分析它采用的是 “框架式” 构图，门框作为前景，巧妙地将主体框在其中，不仅增加了画面的层次感，还引导观众的视线聚焦在主体上；对于色调独特的作品，要留意它的色调特点，如偏青橙色，暗部有灰雾感，这种色调搭配营造出复古、怀旧的氛围，让观众仿佛穿越回过去。通过这样的记录和分析，不断积累对构图、光影、色调等方面的认识，逐渐提升自己的审美能力 。
（三）模仿式拍摄：从 “抄作业” 开始模仿是学习摄影的重要阶段，选 1-2 位风格喜欢的摄影师，复刻他们的作品，是快速提升技术和理解审美的有效方式。
以模仿蓝色调静物为例，首先要进行场景布置，选择白色背景作为衬托，再搭配蓝色器皿，营造出简洁、清新的氛围，白色与蓝色的搭配，给人一种纯净、舒适的视觉感受；光线方面，使用柔光箱侧打光，这种光线能在物体表面产生柔和的过渡，突出物体的形状和质感，让蓝色器皿的色彩更加鲜艳，纹理更加清晰；后期处理时，添加蓝色滤镜，进一步强化画面的蓝色调，使整个画面的色调更加统一、和谐，呈现出 lyokoego 作品中那种独特的蓝色韵味 。
通过模仿，我们能深刻理解 “审美是如何通过技术落地的”。
在这个过程中，会发现大师的照片看似简单，实则在构图比例、光影角度上有精确设计。比如在构图时，主体与画面边缘的比例、主体与陪体的位置关系，都经过精心安排，以达到最佳的视觉效果；光影角度的选择也至关重要，不同角度的光线会在物体上产生不同的阴影和高光，从而影响物体的立体感和质感。通过不断地模仿，我们能够将这些技巧内化，为自己的创作打下坚实的基础 。
（四）建立 “拍摄 - 复盘” 循环每次拍摄结束后，建立 “拍摄 - 复盘” 循环是提升摄影水平的关键。
从拍摄的照片中选 3 张 “问题照片”，用 “技术 + 审美” 双维度进行分析。比如某张人像照片过曝，从技术层面看，可能是快门速度太慢，导致曝光时间过长，过多的光线进入相机；也可能是 ISO 设置太高，使相机传感器对光线过于敏感。从审美角度分析，背景杂乱可能会分散观众对人物主体的注意力，让画面显得不够简洁、干净；人物表情不自然则会影响照片的整体表现力，无法传达出人物的情感和个性 。
为了更直观地分析问题，推荐使用 “醒图” 或 “Lightroom” 等后期软件标记问题。在 “醒图” 中，可以用画笔工具在照片上画箭头标注 “构图重心偏移”，指出画面中主体位置不合理，导致画面失去平衡；用调整工具突出显示 “暗部死黑” 区域，提醒自己在下次拍摄时注意暗部的曝光控制，保留更多细节。
通过这样的复盘分析，能够及时发现自己在技术和审美方面存在的问题，并在后续的拍摄中加以改进，不断提高自己的摄影水平 。
（五）长期：让审美融入生活审美提升是一个长期的过程，要让审美融入生活，培养 “摄影眼”。
逛街时，注意店铺橱窗的灯光设计，观察商家如何用射灯突出商品，不同角度和强度的射灯，能在商品上产生不同的光影效果，使商品更加引人注目；看电影时，暂停截图分析构图，如《布达佩斯大饭店》中大量运用对称美学，画面左右或上下对称，给人一种稳定、庄重的感觉，同时又充满了秩序美；刷小红书时，留意 “爆款图片的色彩搭配”，小红书上的爆款图片往往在色彩搭配上有独特之处，可能是采用了鲜明的对比色，或者是柔和的同类色，通过学习这些色彩搭配技巧，能够提升自己在摄影中的色彩运用能力 。
记住，审美不是高高在上的艺术课，而是对生活细节的 “视觉翻译”。
五、终极答案：别纠结先后，要 “带着审美练技术，带着技术看世界”新手期，技术是 “脚手架”，帮你搭建创作的基础；成长期，审美是 “指南针”，指引技术的发展方向；到最后，两者会像左右手一样默契 —— 看到一个场景，你会本能地想到 “用什么技术实现什么效果”，而这种本能，正是无数次 “技术练习 + 审美思考” 的结晶。
就像我常对学员说的：“不要问先学哪个，现在就拿起相机，拍一张你觉得‘好看’的照片，然后分析哪里好看（审美），哪里可以拍得更好（技术）。在这个过程中，答案会自己浮现。” 毕竟，摄影的魅力从来不是 “审美 vs 技术” 的单选题，而是两者交织碰撞出的独特表达 —— 那是属于你的、镜头后的世界观。