不知道大家有没有发现宋代山水画和元代山水画的一个区别。比如北宋范宽真迹《溪山行旅》墨色相当浓重，无论勾线还是皴点都用又黑又亮的重墨。元代黄公望真迹《富春山居图》墨色就淡了很多，为了让墨色显得更淡一些，他还会用湿笔进行晕染。为什么不同时代的画家在用墨上有这么大的区别呢？这就要说到，画家的审美观了。

范宽画的是北方大山突出巍峨雄浑，黄公望画的是江南景色强调平淡天真。墨色的浓淡干湿在创作中与用笔同样重要。难怪有人说，学会了提按顿挫，理解了墨分五色，基本上就会画山水了。随着山水画的发展，文人士大夫成为画家中的主力，他们更喜欢在创作中表现个人情感与文人情怀。这就导致，自明代中期开始用淡墨的画家越来越多，画中的抒情属性越来越明显。

吴振 山水册

这几幅山水册页是明末画家吴振的作品，他是松江人和董其昌是老乡。有学者考证，由于他和董其昌画风接近，曾经为其代笔。看他的山水册页的确很像董其昌的作品，只不过在笔墨上显得更精致一些，造型能力更好。上面这幅雪景山水，为了突出山巅有白雪覆盖，他用淡墨烘染画面背景。同样的方法也用到了描绘溪流水口。淡墨与留白不会产生强烈的对比关系，而是相互衬托。

看画面前景，水口周围如果没有淡墨，而是重墨。那就会让流水变成静止状态，从而影响静中有动的美好感受。如果只是按正常勾勒皴擦的方法画水口附近山石，则会显得过于生硬。

吴振 山水册

看到这里，也许有人会问，画山水需要运用各种对比关系啊，浓淡对比、干湿对比让画面有丰富的笔墨变化。别忘了，对比还包括虚实、主次、开合等多种形式。恰当运用淡墨，可以形成虚实主次关系，对表现空间感、提升意境有很大的帮助。

看这幅一江两岸的山水册页，画中有三个横向条状空间，分别代表前景、中景、远景。都是条状空间，很容易有一种平衡的感觉，破坏画面的天然美感。故此他用淡墨画一组杂树，产生交错变化。依然让淡墨和留白形成的空间相互衬托，让人觉得画中景色空灵幽远。从而联想到四季流转变化，萧瑟中蕴藏生机。

吴振 山水册

淡墨产生的各种变化，看似平淡实则极具视觉冲击力。比如这幅描绘山中竹桥的册页，淡墨营造出雾气弥散的氛围，让人联想到拂晓时分的山水景色。在山水画中表现季节特征和具体时辰，是为了表现出自然山水的生命活力。

古人觉得自然山水具有生命力，画家应该将其描绘出来。强调不同季节、不同时辰，山水景色的特性，就成了一种有效方法。很难想象，如果不用淡墨，如何画出拂晓时分雾气升腾的效果。

吴振 山水册

看过吴振用淡墨画的这套《山水册》，是不是觉得很雅致呢？这就是淡墨在视觉感受上产生的魅力。难怪有人说，文人山水画在笔墨上有三大特征，虚、淡、空。