很多咖啡照片不好看，问题其实并不出在咖啡上。
桌面收拾得很干净，杯子也漂亮，咖啡刚刚冲好，相机拍出来却像商品随手记录：杯身没有立体感，液体黑乎乎一片，背景杂乱，金属手冲壶还反射出房间里的灯和人。静物摄影最容易让人误判的一点，就是以为“东西摆漂亮了，照片自然就漂亮”。

真正决定画面的，往往是光落到物体以后发生了什么。
拍咖啡之前，可以先暂时忘掉相机参数，站远一点看桌面。画面里究竟谁是主角？是一杯刚做好的拿铁，还是咖啡壶和杯子的组合，又或者想表现木桌、陶瓷和咖啡共同形成的生活气息？这个问题不解决，后面加再多灯也只是把桌面照得更亮。
我拍这类照片时，更愿意先做减法。桌上原来有杯子、豆罐、磨豆机、勺子、书和咖啡豆，最后可能只留下三四样。静物摄影不是摆得越满越丰富，而是让每件出现的东西都有用途。某个道具拿走以后画面反而更舒服，那它大概率本来就不该出现。
接下来才是光线。

咖啡题材比较特殊，因为一张照片里经常同时出现深色液体、浅色陶瓷、高反光金属和透明玻璃。它们对光的反应完全不同。陶瓷需要柔和的明暗过渡，玻璃依赖边缘反射来形成轮廓，金属又像一面弯曲的镜子，会把周围环境全部收进去。
因此，一盏位置合适的灯，往往比三四盏没有明确目的的灯更好用。
最容易上手的方法，是把主光放到主体侧面，而不是直接从相机方向照过去。侧光经过柔光布以后，杯子的亮面和暗面会自然分开，圆润程度也更容易表现出来。大型柔光箱、柔光布甚至透光白布，本质上做的都是一件事：扩大光源相对于主体的面积，让阴影边缘变得柔和。

这里有一个很直观的小技巧。不要只盯着咖啡液，先观察杯子表面那条亮光。如果亮斑只有一个刺眼的小白点，通常意味着光源面积偏小或者距离、角度不合适；如果杯身完全一片亮，没有明暗变化，画面又容易显得扁平。
好看的静物光线，很多时候并不是“亮”，而是亮得有方向。
深色咖啡尤其如此。有人拍咖啡时喜欢不断补光，直到杯子里面什么都能看见，结果反而失去质感。咖啡本来就是深色物体，允许阴影存在并不是曝光错误。需要控制的，是暗部有没有层次，而不是有没有黑色。

白色泡沫板可以放在阴影一侧，把主光反射回来一点。反过来，如果杯子边缘被环境照得太亮，还可以放黑卡吸收部分杂光。商业静物摄影里常见的白卡、黑卡，就是这样参与塑形的，它们虽然不发光，却能改变物体表面出现什么样的反射。
拍玻璃杯和玻璃咖啡壶时，这个思路更明显。
透明器物本身几乎没有颜色，镜头能够识别它，靠的是边缘、折射以及周围环境形成的明暗差。于是，拍玻璃时不一定非要把灯照向玻璃。把一张较大的白色卡纸放到它后方或者侧后方，有时轮廓马上就出来了。

金属又是另一种情况。
手冲壶、咖啡勺、不锈钢拉花缸表面非常光滑，它们拍进去的其实是周围环境的倒影。照片里出现一块莫名其妙的白斑，未必是曝光问题，很可能只是它正好反射了窗户。这个时候与其在后期一点点修，不如现场挪动灯、调整机位或者用黑卡遮住杂乱环境。
这也是静物摄影很好玩的地方：有时候相机根本不用动，只移动十厘米卡纸，器物的质感就完全变了。
颜色同样值得注意。

咖啡场景很容易堆出一屋子的暖色：棕色咖啡、原木桌、黄色灯光、米色背景全部放在一起，看似很有氛围，实际上容易糊成一片。更稳妥的办法，是让不同区域存在一定明度差。深咖啡配稍浅背景，深色杯子旁边留一点亮部，视觉关系会清楚许多。
室内还要特别留意混合光源。窗外自然光、暖色顶灯、不同色温的LED同时开启，白色杯子可能一边偏蓝、一边偏黄。后期调整白平衡只能整体移动色温，很难同时解决两种完全不同的光源，所以拍摄时尽量统一主要照明来源，通常更省事。
至于构图，不需要把每张咖啡照片都拍成俯视图。

拉花当然适合稍高机位，因为杯面图案是重点；想表现陶瓷杯的形状，可以降低相机；如果旁边还有咖啡壶和磨豆机，则可以利用前后距离建立空间层次。机位高低应该服从内容，而不是看到别人怎么拍就照着套。
镜头焦段也是同样的道理。太广的视角容易把桌边、墙壁甚至杂物一起收入画面，近距离还可能产生明显透视变形。适当退后拍摄，让背景更容易控制，往往能得到更干净的产品感画面。手机拍摄时，也可以通过改变距离和镜头选择减少这种杂乱感。
后期反而应该放到最后考虑。

RAW格式能够保留更多调整余量，白平衡、曝光和暗部恢复也更方便，但前期已经乱掉的反射关系，很难靠软件彻底救回来。咖啡照片尤其不适合把阴影全部提亮。黑色有重量，亮部有方向，咖啡才不会变成一杯灰褐色液体。
比较有效的练习方式，是一次只改变一个条件。
灯往左移一点，拍一张；提高二十厘米，再拍一张；加白卡之后继续比较。别同时换背景、换焦段、加两盏灯又调整曝光，因为最后就不知道究竟是哪一个变化让照片变好了。