好水流香
春满川原
心融自然，画见本心 ——赵旭峰山水画艺术刍议 文/张渝 写生之于画家，究竟意味着什么？当“心融自然”成为当下画坛的热词，我们似乎更热衷于谈论走进自然的姿态与写生的手段，却往往忽略了那个根本性的追问：作为艺术家，这一切最终要落向何处？我的回答是——落在心里。心融自然，终究是一种自然的状态，但艺术从来都是主观的事业。一个艺术家能否成功，关键就在于自然是否真的走进了他的心里。这是第一点，也是我看待艺术创作的核心标尺。第二点，我想强调批评的意义。近来常听到一些功成名就的艺术家声称“批评没有意义”。对此，我通常只借用网络热词“呵呵”回应。批评始终在场，它不是对艺术创作的苛责，而是对作品价值的梳理、对创作方向的映照，正如此刻的这场研讨会，正是通过批评的视角，让我们更清晰地看见艺术家的探索与坚守。让我们回到批评的本位，来谈谈山水画家赵旭峰。
春山欲雨
春满江南
碧雲蒼嶺
在切入正题之前，我想先厘清一个常被混淆的概念——长安画坛与长安画派。长安画派是一个特定的历史概念，以赵望云、石鲁等六位前辈为奠基者，他们以“一手伸向传统，一手伸向生活”的艺术主张，在中国美术史上留下了浓墨重彩的一笔；而长安画坛的范畴则宽泛得多，凡是在陕西地域内从事绘画创作、参与艺术活动的画家，皆可纳入其列。若以谱系梳理，扛起长安画派大旗的六位前辈是第一代；以崔振宽等为代表的画家为第二代，我称之为“黄金一代”，他们承续了长安画派的精神内核，又在时代语境中拓展了艺术表达，影响遍及全国；由此自然衍生出第三代，我名之为“白银一代”。他们在前辈的滋养下成长，既背负着地域艺术的基因，也面临着突破传统、建立自我的时代命题。赵旭峰的艺术坐标，正需在这一谱系中加以定位。他的两位老师张三友、李玉田，分别隶属于长安画派的第二代与第三代，这种双重师承赋予了他的作品某种“画面本身的必要性”——既延续了长安画坛对笔墨传统的坚守，也承接了对生活与自然的敬畏之心。
红根
白雲秀嶺
雨后湖畔
山明水净
春水流香
然而，赵旭峰的画中很少有大惊小怪的情节，他不刻意追求宏大的叙事或奇崛的构图，更偏爱在不动声色中捕捉万物的本真状态——山石的肌理、林木的疏朗、云雾的流转，都在他的笔墨中呈现出一种从容不迫的质感。这种特质在当下的创作环境中，却也潜藏着一种风险：容易沦为城市化语境下的套路化表达。许多画家不可谓不勤奋，足迹遍布名山大川，写生稿堆积如山，但作品终究难以动人，核心原因便在于此——他们只做到了“身入自然”，却未能实现“心融自然”，笔墨停留在对物象的浅层描摹，而未触及内心的真实感悟。
风梳碧水映新秀
天漄雲嶂
真正让我看重赵旭峰的，是他并未止步于本土师承的滋养。他深知艺术创作需要开阔的视野，于是远赴京华，师从著名山水画家林容生先生。林氏山水被业界称为“新青绿”，其艺术特色在于打破了传统青绿山水的程式化束缚，在朴素的笔墨基底中注入明亮而温润的色彩，既保留了传统青绿的典雅，又赋予作品现代审美意趣；更重要的是，林容生的创作善于在山水景致中引入社会元素，让自然山水不再是孤立的审美对象，而是与人文生活、时代气息相连结。赵旭峰显然从这种艺术理念中汲取了丰厚养分，他的作品在延续长安画坛朴素笔墨精神的同时，多了几分色彩的明快与意境的通透。那些淡淡的青绿、雅致的赭石，不仅丰富了画面的视觉层次，更折射出他对自然与生活的温暖感知，这也让他在风格相对内敛的长安画坛中，形成了自己鲜明的艺术辨识度。
银山浮天
春江水暖
但赵旭峰的艺术意义，或许恰恰在于他的“未完成性”。无论是长安画坛赋予他的本土笔墨特质，还是师从林容生习得的新青绿色彩语言，在他的作品中都已有所呈现，但又都尚未臻于极致的深入。这种“未深入”的状态，在我看来并非缺憾，反而彰显出三重值得珍视的艺术价值：其一，他的艺术努力方向，已经清晰地显示出超越长安画坛固有边界的特质——不局限于地域画派的传统范式，主动吸纳外来艺术养分，这种开放性为他的创作开辟了更广阔的空间；其二，创作上的“未完成”意味着无限的可能性，他既没有被传统所束缚，也没有被外来风格所同化，正处于一个不断探索、不断融合的关键阶段，这种不确定性正是艺术创作最具魅力的部分；其三，在当下浮躁的艺术环境中，赵旭峰保持着双重的勤勉——一边潜心画画，在笔墨与自然中锤炼本心；一边经营企业，以务实的态度支撑自己的艺术理想。这种在现实与理想之间从容平衡、始终坚守创作初心的状态，本身就是一种难得的艺术修行。
空山烟雨
山光清流
心融自然是路径，画见本心是归宿。赵旭峰以其独特的师承背景、开放的艺术视野与不懈的创作坚守，在长安画坛写下了属于自己的篇章。他的作品或许尚未达到完美之境，但那份对自然的敬畏、对艺术的赤诚，以及在探索中呈现的无限可能，都值得我们给予持续的关注与期待。我们有理由相信，随着创作的不断深入，他终将在“心融自然”与“画见本心”的道路上，走出一条更为成熟、更具个性的艺术之路。